L’art médiéval couvre un ensemble large de temps et de lieux, sur plus de 1000 ans d'histoire de l'art en Europe, au Moyen-Orient et en Afrique du Nord. Cela inclut de nombreux mouvements de l'art et périodes, art régional ou national, genres, renaissances, métiers d'artistes, et les artistes eux-mêmes.
Les historiens de l'Art classifient l'art médiéval en périodes et mouvements principaux, les relations entre ces périodes sont parfois plus subtiles. Ceux-ci sont l'Art celtique, l'Art paléochrétien, l'Art des migrations, l'Art pré-roman et l'Art roman, l'Art gothique, l'Art byzantin et l'Art islamique. En plus de cela, chaque « nation » ou culture au Moyen Âge avait son propre style artistique et ceux-ci ont une existence individuelle, comme l'Art anglo-saxon ou l'Art viking. L'art médiéval est composé de nombreuses méthodes, comme les mosaïques et la sculpture; et il y avait aussi de nombreux genres uniques d'art, comme l'Art des croisades (十字军东征) ou le style animal.
L'aperçu
Les artistes médiévaux en Europe dépendaient, à divers degrés, de l'héritage artistique de l'Empire Romain et sur les références de l'église catholique primitive. Ces sources ont été mélangées avec les cultures vigoureuses (健壮的，活力充沛的) des « Barbares » du nord de l'Europe pour produire un remarquable courant artistique. Ainsi, l'histoire de l'art médiéval peut être vue comme l'histoire des interactions entre des éléments d'art classique, chrétien primitif et « barbare ».
Mouvements artistiques majeurs
L'art au Moyen Âge est un sujet vaste et les historiens de l'art l'étudient traditionnellement en se basant sur neuf mouvements ou périodes d'envergure.
L'art chrétien primitif couvre la période de 200 (avant laquelle aucune œuvre chrétienne n'a survécut), jusqu'au tardif VIIe siècle ou les prémices du VIIIe, quand les conquêtes arabes et l'iconoclasme (拜占庭帝国发生的圣像破坏运动) byzantin ont mis fin à la production d'art dans l'Est. Pendant cette période, les artistes chrétiens ont adoptés les savoirs romains de la peinture, mosaïque, sculpture et travail du métal.
L'art byzantin chevauche (交迭) ou se mélange avec ce que nous appelons l'art primitif chrétien jusqu'à la période iconoclaste de 730-843 quand la grande majorité d'œuvres d'art ont été détruites; il y a donc si peu de restes que toutes les découvertes actuelles permettent de mieux comprendre cette période. Après 843 et jusqu'en 1453 il y a une vraie tradition d'art byzantine qui se démarque. Elle est souvent présentée comme la meilleure période de l'art du Moyen Âge en termes de qualité des matériaux et d'exécution, production qui était centrée sur Constantinople. Le couronnement des arts Byzantins a été les fresques et mosaïques monumentales dans les églises à coupoles, dont beaucoup n'ont pas survécu à cause des désastres naturels et de la ré-appropriation des églises en mosquées.
L'art celtique au Moyen Âge décrit l'art des peuples de langue native celte d'Irlande et d'Angleterre du Ve siècle, suite au retrait des romains, jusqu'au XIIe siècle avec l'établissement de l'Art roman. La période du Ve au VIIe siècle sont une continuation majeure de la période de l'âge de fer de la culture artistique La Tène avec quelques modification romaines, alors que les VIIe et VIIIe siècles ont vu la fusion avec les traditions germaniques à travers les contacts avec Anglo-saxons créant ce qui a été appelé le style hiberno-saxon, et finalement plus tard des inspirations Viking ont été rajoutées en Irlande.
L'art des migrations décrit l'art des peuples germaniques en mouvement pendant la Périodes de migration entre environ 300-900, et inclut aussi la période hiberno-saxonne en Angleterre et Irlande. Cet art prend en compte les influences des interactions avec l'art Chrétien, et aussi bien les caractéristiques du Style Animal et du Style Polychrome.
L'art préroman est la période couvrant le couronnement de Charlemagne en 800 jusqu'au début de la période Romane au XIe siècle. Il inclut l'Art carolingien,
l'Art Ottonien (Allemagne), l'Art anglo-saxon (Angleterre), aussi bien l'art de France, Italie et Espagne. Pendant cette période, les influences de l'art romain classique sont activement absorbées et l'art Carolingien devient la souche de laquelle émergera plus tard les arts romans et gothique.
L'art roman est la période couvrant l'Europe de l'Ouest du XIe siècle jusqu'à la fin du XIIe siècle, s'exprimant principalement en France, Italie et Espagne, puis s'étendant avec l'expansion des grands mouvements monachistes en Europe de l'Est, Angleterre, Irlande. Cette période est la fusion des styles l'ayant précédée, notamment Carolingienne, et dont les influences orientales, notamment sassanides, ont été fusionnées et appropriées dans des motifs christianisés.
L'art gothique est un terme fragmentaire dépendant du métier, du lieu et de la période. Le terme a pour origine l'architecture gothique en 1140, mais la peinture gothique n'a pas apparue avant les environs de 1200, quand elle a divergée du style roman. La sculpture gothique est née en France en 1150 et s'est répandue dans toute l'Europe, au XIIIe siècle, elle est devenue un style international, remplaçant le roman. Le gothique international décrit l'Art Gothique de 1360 à 1430.
L'art islamique pendant le Moyen Âge couvre une grande variété de métiers incluant les manuscrits enluminés (上色的，彩色装饰的), les textiles, céramiques, travail du fer et du verre. Il y a eu une forme primitive entre 600-900 et un développement des styles régionaux entre 900-1500.
[Image: L'art byzantin était l'art le plus avancé du Moyen Âge et les mosaïques des églises monumentales en ont été son couronnement. Une des mosaïques les plus célèbres subsistant est dans l'Église de la Sainte-Sagesse dans l'ancienne Constantinople — l'image du Christ sur les murs de la galerie supérieure au Sud]
Si le visiteur contemporain comme le fidèle byzantin est d'abord frappé par l'impression extraordinaire dégagée par la coupole et le volume qu'elle surmonte, la sculpture archtecturale ornant l'intérieur constitue également un ensemble d'une grande virtuosité, créant un vocabulaire original, où la feuille d'acanthe, de plus en plus stylisée, devient presque méconnaissable - mais ces formes ne seront pratiquement pas reprises. Là aussi, Saint-Polyeucte a ouvert la voie : l'absence de modelé, l'utilisation peu importante de la profondeur dans le décor des chapiteaux - et en général dans le décor architectural - et l'emploi de motifs exotiques, tel le palmier, ou d'une forme originale de palmette stylisée ne résultent pas d'une évolution mais témoignent d'un choix marquant une rupture délibérée avec la tradition. Cette rupture est rendue possible par l'emprunt de motifs aux Sassanides - qui ont succédé aux Parthes comme grands ennemis du monde romain sur sa frontière orientale. Les chapiteaux polylobés des Saints-Serge-et-Bacchus sont un autre exemple de ces innovations.
La sculpture architecturale de Sainte-Sophie doit être considérée comme une synthèse entre les innovations visibles à Saint-Polyeucte et aux Saints-Serge-et-Bacchus - dont les plus audacieuses ont été abandonnées - et un vocabulaire plus traditionnel.
Le néo-classicisme est le nouveau culte enthousiaste de la beauté idéale classique, exprimée à la perfection par les Grecs et les Romains de l'Antiquité, modèle absolu pour tous les artistes.
Le néo-classicisme naît au milieu deu XVIIIe siècle, à l'époque où ont lieu les fouille archéologiques d'Herculanum (1738) et de Pompéi (1748). Les théoriciens sont nombreux, notamment Johann Joachim Winckelmann, qui soutient dans ses écrits théoriques la supériorité de l'art grec et romain dont il fait le modèle qu'il faut suivre et imiter. C'est le début d'un vaste mouvement culturel, qui englobe l'Europe et les Etats-Unis et concerne bien sûr la peinture et la sculpture, mais aussi la littérature, l'architecture, les arts décoratifs, l'argenterie, la joaillerie et même la mode et les usages. Les artistes néo-classiques ont comme idéal absolu la beauté,
"la beauté lumineuse où puisèrent,
leur seul remède au mal
les âmes nées au délire,
âmes mortelles"
(Ugo Foscolo, A l'amie convalescente).
Leurs oeuvres sont caractérisées par l'équilibre des masses, la netteté du dessin et, en général, par un soin formel accru, fruit d'une étude attentive des moindres détails stylistiques. Mais ce soin n'est souvent que superficiel et leurs compositions, techniquement parfaites, sont froides. De plus, le désir de suivre les modèles classiques conduit parfois les artistes à sacrifier leur individualité et leur personnalité.
[ François Gérard, Psyché et Amour, 1797-1798, Paris, musée du Louvre ]
Les gestes d'Eros, le dieu de l'Amour, sont calmes et mesurés, sans élan ni passion. Son corps est modelé avec un grand souci du rendu anatomique.
L'expression de Psyché, qui adopte une pose sereine et détendue, semble lointaine, détachée, comme si elle s'efforçait de ne pas laisser transparaître ses sentiments.
Le détail montre la virtuosité dont fait preuve l'artiste dans le rendu du tissu qui couvre les jambres de la jeune fille.
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